El viernes pasado recibí una llamada por parte del equipo de comunicación y prensa del FICCO, para darme la noticia de que esta edición se cancelaba. Las razones “oficiales”: falta de apoyo por parte de patrocinadores y el mismo CINEMEX. No obstante cuales sean los verdaderos motivos, es una pena que uno de los foros cinematográficos más importantes en el DF desde hace 7 años, el cual ya se había vuelto una tradición de los chilangos que gustamos del séptimo arte, no se lleve acabo.

Desde mi humilde opinion, tras la partida de Paula Astorga, fundadora y directora del FICCO durante 5 ediciones, el festival perdió cierta fuerza. Sin embargo, el nuevo equipo tenía la intención de seguir con la responsabilidad y me consta que buscaban impulsar el festival.

En CINEREX-TCLY, esperamos que sólo sea una breve pausa y que el FICCO vuelva pronto y regrese con el mismo espíritu que inició en 2004.

- Iraís

Como parte de la programación multidisciplinaria que prepara el DFASHION para ésta edición y apoyados por el Festival Internacional de Cine Contemporáneo de la Ciudad de México (FICCO) han alistado una muestra de cinco filmes entre ficción y documental que van de la mirada de tres grandes cineastas.

El cine se hará presente a través de una retrospectiva fílmica del director William Klein y Los Hermanos Maysles, visionarios de la moda desde los años sesenta hasta la actualidad, a través de visos de absurdos que atañen a la moda y el celuloide, mismos que transforman en elementos experimentales de manifestación cinematográfica. Continue reading →

I´m  so lonely…so loneley

Se imaginan vivir en una comuna situada en Escocia con Madonna, Charles Chaplin, Marilyn Monroe, Abraham Lincoln y hasta el Papa? Pues Harmony Korine, escritor de Kids (1995) y director de Gummo (1997) lo llevó a la pantalla, y nos cuenta la historia de cómo Michael Jackson, interpretado por un Diego Luna fuera de todos sus roles de “chavo buena onda” llega a vivir a esta comuna habitada  por dobles de personajes famosos al igual que él. La historia se centra en la búsqueda continua de identidad que han llegado a perder por tomar la personalidad de otros, además de la evolución de sus relaciones, la película está cargada con un humor negro que se rompe por momentos crudos muy al estilo de Korine y por una historia paralela, muy cagada por cierto, que nos plantea la temática de la fé y habla sobre un padre aviador y unas monjas voladoras.

La cinta te lleva a una reflexión sobre la identidad y nuestro papel en la sociedad, en la que a veces somos obligados a crear diferentes personalidades para ser “aceptados”. Si han visto otros trabajos de este señor, notaran un claro cambio y madurez como director, sin embargo, conserva los mismos planteamientos y críticas sociales que lo han distinguido, colocándolo como uno de los realizadores independientes de los E.U.A  más polémicos en la actualidad.

Hace casi 2 años tuvimos la oportunidad de acudir a la premiere de la película, que se presentó en el FICCO dentro de la sección tributo a Harmony Korine, quien estuvo presente y expresó su agradecimiento y el buen recibimiento por parte de todos en México, además de reconocer el esfuerzo por tratar de tener un Festival reconocido en todo el mundo. Paula Astorga, la directora en ese momento del festival y Jorge Ayala Blanco, crítico de cine, completaron las palabras del director y presentaron la función de Mister Lonley esa tarde.

Este fin de semana por fin se estrenó  Mr. Lonely en salas comerciales de México, así que no pierdan la oportunidad de ver una de las propuestas más interesantes que se ha visto en los últimos años, y que sin duda logra tocar fibras sensibles en los espectadores (nosotros).

DaJomles

The Dude: Nobody calls me Lebowski. You got the wrong guy. I’m the Dude, man.
Blond Treehorn Thug: Your name’s Lebowski, Lebowski. Your wife is Bunny.
The Dude: My… my wi-, my wife, Bunny? Do you see a wedding ring on my finger? Does this place look like I’m fucking married? The toilet seat’s up, man!

Ethan y Joel Coen escriben y dirigen The Big Lebowski (1998). Una de tantas películas que han escrito, producido y dirigido, desde Fargo (1996)  Sin lugar para los débiles (2007) o Quémese después de leerse. (2008).

Cuando la escribieron ya tenían en mente a los actores principales: Jeff Bridges, John Goodman, Steve Buscemi y Sam Elliott. Los Coen se inspiraron en Jeff Dowd un distribuidor que les ayudó con su primer film Blood Simple en 1984, quien se hacía llamar a sí mismo The Dude.

The Dude: That rug really tied the room together.

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Del director Tomas Alfredson llega Déjame entrar (2008) una historia que nos plantea otra perspectiva a una trama de vampiros, lejana de las presentadas para chupasangres y góticas criaturas o licántropos hollywoodenses, pero que también rescata los mitos de estos amantes de la sangre.

Bajo una producción Sueca (EFTI) y teniendo como reparto a Kare Hedebrant (Oskar) y Lina Leandersson (Eli) la cinta da vida a un argumento en el que un chico de 12 años que vive solitario en los suburbios de Estocolmo, bajo el yugo de un grupo de niños bully, lleva una vida extraña (gusta de coleccionar información sobre asesinatos violentos) sin amigos; y una noche, en medio de su cotidiana y extraña vida, conoce a una misteriosa niña amante del frío y la sangre humana.

Tras la llegada de Eli a la ciudad, se suscitan diversas muertes que aterrorizan a la comunidad, Oskar aunque sospecha que su nueva amiga es un vampiro, buscará establecer una relación con ella más allá del miedo que le implica.

Este trabajo es la adaptación de la novela “Déjame Entrar” de John Ajvide Lindqvist y promete ser una de las grandes obras para historias de vampiros, que a lo largo de la vida del cine, con una tradición impuesta por Murnau se han dado cita en el celuloide.

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En esta 6ª edición del FICCO se exhibieron las películas del director, comediante, clown y mimo francés Jacques Tati.

Él era deportista pero después de imitar a jugadores y árbitros para divertir a sus amigos se dio cuenta que podía hacerlo como una disciplina. Sus primeros cortometrajes fueron hechos por otros directores pero poco a poco fue tomando las riendas de sus cortos dirigiendo, produciendo, escribiendo y actuando.

Su trabajo es muy importante ya que después de Buster Keaton o Chaplin no había comediantes cinematográficos de igual magnitud, creo que el material está un poco abandonado en términos de distribución más comercial, aunque fue de los pocos que tuvieron mayor impulso a nivel internacional dado su talento para dirigir, actuar y producir.

Es importante asistir a los festivales o aprovechar ciclos especiales para poder ver en el cine este tipo de material.

Sus películas están llenas de gags y situaciones cómicas que van desatando consecuencias simpáticas; también están enfocadas a la crítica de la tecnologización y la “modernidad”. En Playtime podemos ver a Tatí buscando a un hombre en una gran oficina desde arriba, con miles de cubículos donde un personaje se comunica por teléfono con otro estando a unos metros de distancia y llevando la situación al ridículo. En Mon Oncle donde Tatí es el tío de un pequeño que vive en una casa ultramoderna, las máquinas hacen trabajos absurdos y los espacios arquitectónicos son creados para la incomodidad y deshumanización del espacio, con muebles incómodos de diseñador, una cocina llena de botones y un jardín que no se puede pisar.

El FICCO ha terminado, pero no por eso no se pueden buscar estás cintas que realmente merecen ser vistas si te gusta la comedia cinematográfica al estilo mudo con situaciones ridículamente divertidas.

Las que se exhibieron en el FICCO son:

Día de fiesta (Jour de fête). 1948. 79 min.

Las vacaciones del señor Hulot (Les vacances de Monsieur Hulot) 1953, 144 min.

Mi tío (Mon oncle) 1957, 110 min.

Playtime, 1976, 155min.

Tráfico (Trafic) ¡973, 93min. (está tuvo sello FICCO, por hacer gala al sentido del humor “tatiano”)

La niña del campo

El pasado sábado 28 de febrero se llevó acabo la ya tradicional ceremonia y fiesta de clausura del Festival Internacional de la Ciudad de México 2009  y CINEREX estuvo ahi para traerles los detalles.

La  ceremonia encabezada por Alma Rosa García, directora general de Cinemex y Raquel Cajiga, directora del FICCO, dio inició a la premiación en las distintas categorías participantes, de entre 180 producciones que se presentaron del 17 al 1 de marzo. 

Al término de la ceremonia, socios comerciales, invitados especiales, directores en competencia, medios de comunicación y miembros de la comunidad cinematografica de nuestro país comenzaron la fiesta de clausura teniendo como marco el lago y bosque de Chapultepec. Durante la fiesta un grupo sorpresa tocó y este fue nada menos que el polifacético Devendra Banhart, banda formada por Andy Cabic, Otto Hauser, Nick Castro, Kevin Barker, Noah Georgeson, Luckey Remington, y Pete Newsom. Como dato curioso el peculiar líder de esta banda es el ex novio de la famosa Natalie portman.

Al terminar Devendra, la fiesta continúo hasta poco más de la 1:00 am, para la mayoría de los presentes la fiesta acabó “temprano”, y tuvimos que seguirla en distintos lugares, je je je, en fin, sólo puedo decir que concluyó uno de los festivales más importantes de cine en nuetsro país y aunque cambió totalmente de crew, logró salir a flote. Esperemos que el verdadero espíritu “indie” que dio incio al FICCO siga vivo y el siguente año podamos disfrutar de nuevas y más opciones cinematográficas de todo el mundo.

                                         Maya Zapata                                        

                                                          Devendra Banhart en acción

Los ganadores del FICCO 2009 son:

Premio FICCO-Cinemex, Mejor Película Selección Oficial Ficción fue para Lastre, de Lance Hammer (EUA) y Los paranoicos, de Gabriel Medina (Argentina). La Mención Especial del Jurado fue para Jay, de Francis Xavier Pasión (Filipinas).

Premio FICCO-Movie City. Mejor Opera Prima fue para Cómo estar muerto, cómo estar muerto, de Manuel Ferrari (Argentina) y El placer de que te roben, de Joshua Safdie (Estados Unidos).

Premio FICCO-Cinemex. Mejor Película de México Digital: Calentamiento local, de Fernando Frías. Mención Especial del Jurado: Ex voto para tres ánimas, de Diego Rivera Kohn.

Premio Pfizer. Cine y Derechos Humanos: Vía de acceso, de Nathalie Mansoux (Portugal). Mención Especial del Jurado: 13 pueblos en defensa del aire, el agua y la tierra, de Fracesco Taboada Tabone (México).

Premio Fipresci. Mejor Documental Mexicano: Nuestra lucha, de Jaime Rogel.

Premio Exxonmobil. Mejor Realización Femenina: $9,99, de Tatia Rosenthal (Israel-Australia). Mención Especial del Jurado: Wendy y Lucy, de Kelly Reichardt (Estados Unidos).

Premio FICCO-Cinemex. Mejor Película Selección Oficial Documental: Un vals con Bashir, de Ari Folman (Israel-Francia-Alemania), y Porque hemos nacido, de Jean-Pierre Duret y Andrea Santana, (Francia-Brasil). Mención Especial del Jurado: Amores ciegos, de Juraj Lehotsky (Eslovaquia).

Iraís

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Esta cinta escrita y dirigida por Esteban Larraín basada en un hecho real, muestra la historia de una niña Quechua de trece años que inicia un viaje de 180 kilómetros desde Soniquera, al sur de Bolivia, hasta San Pedro de Atacama en el norte de Chile, con la finalidad de buscar una mejor calidad de vida para ella y su familia.

Un filme que como espectador te confunde entre la ficción y el documental, con extraordinarias imágenes, entre majestuosas rocas, desierto y valle: que es un reflejo de lo que muchos niños y jóvenes Quechuas deben vivir. Caminar desde las tierras de sus ancestros a través de un camino que sin vereda los guía a un sueño de vida.

Ésta cinta ha sido presentada con anteioridad en diversos festivales, entre los que destacan el Festival de Lorcano, el Internacional de Cine de Viña del Mar, el de Montreal, el Internacional de Valdivia y el Festival Trieste; logrando en éste último el premio a la mejor banda sonora, el premio especial de jurado y a la mejor opera prima.

Alicia Inés Esquivel Ramos, quien protagonizó su propia historia, logró llegar a Chile para trabajar como empleada doméstica durante un mes, ya que por ser menor de edad quedó a cargo de un tribunal de menores y días después, reclamada por un pariente regreso a su natal Bolivia.

Aunque constituye una buena historia digna de contarse porque es una realidad que aqueja a muchas comunidades latinoamericanas, el deseo de una vida mejor, considero que pudo haberse contado en menos tiempo, en virtud de hacerla más dinámica para el espectador, si bien los escenarios que muestra son majestuosos y dignos de admirarse, por momentos parecen ser interminables, aunque de igual forma deja una reflexión sobre las marginaciones sociales.

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Durante la Francia de 1970, una niña extraviada desde hace casi un año es descubierta mientras deambula por la carretera, en condiciones deplorables con una actitud retraída e incapaz de poder denunciar lo que le ha acontecido.

Éste filme de Pascal Laugier con  producción francesa, es una clara muestra de lo que el cine de terror y suspenso europeo tiene, en una cinta que transgrede la narrativa convencional y logra generar inseguridad en el espectador ante la nula idea de lo que acontecerá con la historia, en la presentación de la venganza de una mujer ante las atrocidades de las que fue objeto cuando niña.

Las actuaciones si bien constituyen un buen trabajo, considerando el género de la cinta, no salen del estándar aunque logran el objetivo de polemizar y provocar en el espectador la pesadilla de su protagonista.

El director de El Internado (2004) si bien nos presenta escenas sangrientas, su cinta no constituye un material gore propiamente dicho, así que para aquellos que esperan ver sangre, sólo verán la necesaria, aunque sí hay tomas por demás extremas. El guión de Laugier es una apuesta por un discurso de suspenso fuera del canon donde el espectador sale con la sensación de haber visto algo diferente.

Martyrs como parte de las proyecciones de 11:59 (ONC) del FICCO aunque cumple su cometido -salir de la sala con la cabeza e ideas revueltas- es un filme que se torna denso, que de no ser por el final quedaría como una cinta dominguera, sin embargo se agradece también la apuesta del director por una narrativa nada predecible y arriesgada, no por nada en el Festival Internacional de Cinema de Catalunya causó gran revuelo entre los espectadores al grado que debido a lo extremo de las imágenes se tuvo que contar con servicio de ambulancias para cualquier eventualidad, así que puede constituir una experiencia acudir a su proyección.

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El día de ayer se llevó acabo la premiere de la película The Westler dentro de la programación del FICCO. Antes de hablar sobre la cinta debo decir que para mí The Westler, es una de las mejores películas seleccionadas en esta edición del FICCO y sin duda en las recientes entregas de premios (BAFTA, Oscar, Golden Globe, Muestra de Venecia, etcétera), superando los filmes de 2 de mi directores favoritos Danny Boyle y David Fincher. El neoyorkino Darren Aronofsky me sorprendió de forma muy grata con su última entrega y sólo resta decir enhorabuena este tipo de cintas, honestas, directas, con un estilo clásico, venga el buen cine, ahora bien hablemos de The Westler.

La historia trata sobre Randy “The Ram” Robinson, un luchador que tuvo sus glorias en los 80’s y que 20 años después de esta racha se niega a bajarse del ring, pese a que su condición física y moral se encuentran en mal estado. Randy “The Ram” se ha convertido en un perfecto fracasado, vive en una profunda soledad y nostalgia de los triunfos pasados, donde lo que gana apenas le alcanza para mantener sus músculos, rubia cabellera y piel dorada. Después de sufrir un ataque cardíaco que amenaza su vida, deberá decidir entre tomar un rumbo distinto o morir haciendo lo único que lo mantiene vivo, luchar. En este camino se cruza con una stripper interpretada por Marisa Tomei, con la que empezará una relación y que le aconsejará acercarse a su hija Stephany, la cual abandonó desde hace mucho tiempo.

Entre escenarios decandentes, cielos grises, y pasajes solitarios se desarrolla este drama, que sin mayor uso de efectos, ni escenas complejas, mas bien utilizando una narración bastante clásica logra que el espectador se introduzca en la pantalla, y esto se consigue gracias al excelente guión y actuaciones.

Al hablar de está película sin duda hay que hablar de la actuación de Mickey Rourke, que sin exagerar es perfecta, y no se necesita ser crítico ni un gran conocedor del arte histriónico, lo que logra transmitirnos pocas veces se ve en pantalla. Hace tiempo escuche que esta era la mejor actuación en la vida de Mickey Rourke, que de alguna forma el actor se había identificado con el papel por motivos personales, y que por eso su actuación era tan profunda y real, yo creo que es verdad.

The Wester es una drama cuya narrativa demuestra el crecimiento  de Aronofsky como director, teniendo en su portafolio las también respetables Pi, Réquiem y La Fuente. De verdad les recomiendo esta cinta que los mantendrá de princiipio a fin hundidos en su butaca, llevándolos de las lagriamas, pasando por la ternura, y el humor involuntario, todo esto a través de un retrato de lo lo patético, la vida de un perdedor, un gran perdedor que preferirá morir que perderse en lo ordinario.

“The only place I get hurt is out there. The world don’t give a shit about me”

(Randy “The Ram”)

Iraís