Esta cinta inicia con una presentación inmediata de personaje: Monseñor Romero, gracias al uso de fotografías y un audio donde se escucha un sermón, que nos habla del simbolismo del sacrificio de Cristo; este efímero preludio, es súbitamente cortado por el sonido de un balazo y una pantalla que se tornó negra. Así El cielo abierto, nos advierte que no será una película fácil.

Ubicada en El Salvador de los años setenta, la historia de Monseñor Óscar Arnulfo Romero: la voz de los sin voz, se va develando sutilmente – con testimonios nostálgicos y un bien cuidado uso de material de archivo -, cómo un crítico de la extrema derecha y su amor al dinero, cómo un personaje que vive moralmente y es icónico en su nación, cómo un defensor de los campesinos marginados, pobres, sometidos a infinidad de vejaciones a cargo de caciques sin escrúpulos, y cómo quien detentó el uso de la religiosidad cómo un medio de cuestionamiento y no de sometimiento.

En esta línea narrativa, van apareciendo distintos antecedentes, como la labor del padre Rutilio Grande en el poblado de Aguilares, en el marco de la gestación de un fuerte movimiento de la teología de la liberación con una iglesia proactiva y participativa, su lucha por la justicia bajo un franco desafío a la oligarquía, la organización del pueblo, la justificación oficial de la lucha contra el comunismo en plena guerra fría y el eventual asesinato de Grande; el cual será el provocador del desdoblamiento del personaje principal, Monseñor Romero, para transmutar de inicialmente conforme con el establishment, a indignado detractor y crítico del mismo, e iniciar un claro ascenso a su propia redención.

Bajo este marco, se van acomodando diferentes aristas que transitaron durante la guerra civil salvadoreña. Formándose así, una trama que literalmente se enmaraña, en momentos precisos, en una espiral de realidades, tensas, dramáticas que son climatizadas magistralmente y en catarsis. Arte que Everardo González ha ido depurando en un estilo cada vez más consolidado; sin embargo, El cielo abierto, es muy distinta a sus anteriores largometrajes documentales: La canción del pulque (México, 2003) y Los ladrones viejos (México, 2007).

Inicialmente trabajado como una comisión, González supo apropiarse del rodaje, que por su propia naturaleza es de pocas concesiones, mostrando un gran trabajo de investigación y de narrativa. Haciendo nuevamente mancuerna con Juan Manuel Figueroa, la edición juega con elementos del pasado en representaciones presentes, contrapone testimonios y no deja de lado la ironía. Es de destacarse la música original del grupo Radaid, quien supo crear atmósferas y ambientes congruentes. Estos elementos en su conjunto, redundan en un trabajo documental íntegro, que se vuelve de facto referente al tema.

- Carlos Kubli-

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Abril está por terminar, así que les recomendamos que vean este excelente documental, dirigido por Everardo González (Los Ladrones Viejos y La Canción del Pulque), ganador del Premio de la prensa en el XXVI Festival Internacional de Cine en Guadalajara.

La película es un diario personal del Monseñor Óscar Arnulfo Romero, donde se presentan la relación de sus cartas, las homilías transmitidas desde la YSAX, vistas a través de personajes que padecieron junto con él, el gran temor del estallido de la guerra en El Salvador.

Como una opción más para no recurrir a la piratería, la cinta se encuentra en CINEMA OPEN y se puede ver ilimitadamente por la cantidad de 5 dólares hasta el 30 de abril.

- I. Bermejo-

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La Cineteca Nacional junto con el Goethe-Institut Mexico y el Centro Cultural Tlatelolco, presentan “Werner Herzog, Retrospectiva Documental”. Un homenaje cinematográfico conformado por 32 películas, minuciosamente seleccionadas entre todos los trabajos del cineasta germano.

El director del Museo de Munich, Stefan Drößler, estuvo presente para dar una introducción a la obra del pionero del Nuevo Cine Alemán. Werner Herzog inició su carrera en 1960 y hasta ahora ha filmado sesenta películas, aproximadamente, de las cuales una tercera parte son largometrajes de ficción y el resto documentales. Werner inició su carrera artística como poeta y más tarde encontró ahí su inspiración para filmar sus primeras cintas; impulsando así el cine de autor en su país.

Pero fue en Francia donde reconocieron y valoraron más su trabajo, caracterizado por amplios paisajes y temáticas distintas a otros cineastas de la época. Stefan Drößler habló también,  de la película en 3D que Herzog dirigió en una cueva acerca de las pinturas rupestres que ahí se encontraban; enfrentándose a las dificultades de filmar con poca luz en un espacio muy reducido y cuyo filme se presentó por primera vez en la reciente edición del FICG.

Después de la introducción que Stefan Drößler hizo sobre el estilo de Herzog y lo que ha aportado al Arte Cinematográfico; se exhibieron tres cortometrajes del cineasta alemán: La soufrière (RFA, 1977), Werner Herzog. Director de cine (RFA, 1986) y Peregrinación (Alemania, 2001) con los que se inauguró este ciclo fílmico. Si no tuviste la oportunidad de vivir la 26ª edición del Festival Internacional de Cine en Guadalajara, donde se presentó la obra completa de Herzog, aún tienes la posibilidad de ver este ciclo que estará exhibiéndose en la Cineteca hasta el próximo 17 de abril y en el Centro Cultural Tlatelolco del 1° de abril al 7 de mayo.

-Bruno Zaca-

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Agnus Dei – Cordero de Dios, es el título del nuevo documental de Alejandra Sánchez, exhibido dentro de la categoría de Documental Mexicano en Competencia como parte del FICG 26. El trabajo anterior de Alejandra, Bajo Juárez: La Ciudad Devorando a sus Hijas, recibió muy buenas críticas e inclusive una nominación al Gran Premio del Jurado en el Festival de Sundance 2007.

En esta ocasión la directora aborda un tema muy polémico, tanto en el mundo, como particularmente en nuestro país: los abusos sexuales cometidos a menores dentro de las instituciones religiosas.

Jesús fue iniciado desde niño (bajo influencia de su madre) como monaguillo para prepararse y algún día cumplir su sueño de ser sacerdote. A lo largo de su devota educación estuvo bajo el cargo del padre Carlos López, con quien fue creando una estrecha relación padre-amigo-hijo, en donde la inocencia de Jesús a sus once años fue abusada para convertirse en un acto de abuso sexual  como los tantos que últimamente se han dado a conocer alrededor de la iglesia católica.

En un acto de valor, Jesús, actualmente ya siendo un adulto padre de familia, decide investigar la ubicación del padre López para encararlo y obtener explicaciones que lo ayuden a disolver el problema psicológico que esto le ha ocasionado. Todo documentado por Alejandra, quien a su vez nos va mostrando las circunstancias que involucran estos casos, desde la educación sexual que reciben los monaguillos en su preparación, como la influencia (por no decir culpa) que pueden llegar a tener los padres de familia para que sus hijos terminen involucrados en algo así.

Al terminar la función, los asistentes tuvimos la oportunidad de charlar con la directora, comentando las consecuencias que un documental de este tipo puede llegar a generar. Cuando se mencionó el ejemplo de Presunto Culpable y la disponibilidad de afrontar una respuesta por parte de la iglesia, ya sea por las grabaciones a Carlos López o las fotos de Jesús desnudo, Alejandra se mostró preparada para lo que esto conlleve, argumentando  que si hay quejas por el uso de esas imágenes, antes se tendrá que resolver la queja que primero el filme está presentando.

- l a t s

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Como parte de las actividades del ­­­marco del 26 Fes­­tival Internacional de Cine de Guadalajara tuvimos la oportunidad de asistir a una Master Class que contó con la presencia del reconocido actor Willem Dafoe. La charla comenzó tras una breve semblanza de imágenes que mostraron varias de sus actuaciones más significativas, desde el sargento Elias en Platoon (Oliver Stone, 1986) o Jesús en La Última Tentación de Cristo (Martin Scorsese, 1988) hasta sus doblajes en Finding Nemo Y Fantastic Mr. Fox.

El afamado actor platicó un poco sobre sus inicios en teatro, la estancia en Nueva York y su salto oficial al cine con The Loveless de Kathryn Bigelow. A diferencia de otros actores, Dafoe comentó que a él no le gusta limitar sus actuaciones por tratarse de cine y no por eso imprimir menos dramatismo en sus personajes que como lo haría en teatro.

A pesar de estar un poco encasillado en papeles de villano y loco, disfruta de ver películas y actuaciones diferentes a las que está acostumbrado. Agregó que para él cada uno de estos roles es una oportunidad de explorar y hacer cosas que en la vida real normalmente rechazaría y sin embargo al final encuentra una empatía con los personajes tan inestables que encarna. A pesar de que el público preguntó más de tres veces sobre qué técnicas utiliza a la hora de trabajar, respondió que al igual que cada papel es una experiencia diferente, cada uno es abordado de distinta manera, sin estar casado con algún método en específico. Comentó el ejemplo del terapeuta que lo acompañó durante la realización de Antichrist, siendo esto más con el propósito de entender los gestos y el lenguaje de alguien de dicha profesión que él tenía que actuar para el rol de la película y no por tratarse de alguna atención psicológica para soportar las pesadas jornadas junto a Lars von Trier. Obviamente esto último fue un tema que se platicó bastante, desde lo curioso y natural que fue pedirle al realizador danés el trabajo para su último filme, como los mitos un tanto exagerados acerca del carácter de tan polémico director.

Aunque por momentos Dafoe parecía un poco cansado de responder preguntas  medio repetitivas, su actitud siempre fue muy amable, sencilla y tolerante; cada vez que reía soltaba esa expresión diabólica que a todos nos encanta. Humildemente aceptó no ser un conocedor de cine mexicano, ni de estar enterado de cómo se realiza el cine actualmente en nuestro país, razón por la que cuando se le pidió un consejo para los nuevos cineastas nacionales, se limitó a responder que lo mejor es ubicarte en el círculo de lo que en verdad te apasiona y rodearte de la gente que te motiva a seguir haciéndolo.

- l a t s

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El día de ayer se realizó la ceremonia, proyección y fiesta de inauguración del Festival Internacional de Cine en Guadalajara, edición 26; las primeras dos se llevaron a cabo en el Auditorio Telmex y la fiesta en Expo Guadalajara.

Sin discursos oficiales como en años anteriores, la ceremonia fue breve y contó con 3 homenajes.

El primero fue para el compositor Manuel Esperón,  autor emblemático de la época de oro del cine mexicano, en una pantalla se proyectaron imagenes de películas en blanco y negro, como una especie de viaje al pasado recordamos la canción “Amorsito Corazón”, famosa melodía que interpretara Pedro Infante (El Torito) junto con la actriz Blanca Estela Pavón (La Chorreada), en una de las películas hito de nuestra cultura popular; después escuchamos a Jorge Negrete cantar la reconocida “Ay Jalisco no te rajes”, logrando que el público aplaudiera y cantara.

El compositor trabajó a lo largo de su carrera aproximandamente en 500 películas, con más de 900 canciones, razón por la que se realizó este merecido homenaje póstumo que fue recibido por la esposa e hijas del autor.

Posterior a este momento, la pantalla mostró imagenes de distintos filmes realizados por el director alemán Werner Herzog, quien horas antes impartió una Master Class con excelente respuesta por parte de los asistentes.

Herzog subió al escenario para recibir el Premio Guadalajara Iberoamericano y emitió un discurso lleno de elocuencia y sencillez, lo que demuestra que para ser grande no es necesario perder el piso o ser arrogante.

Mientras el público lo ovacionaba de pie, el director manifestó sentirse honrado por participar en esta edición, además de expresar que “el Festival es una señal de que hay cine muy vibrante en todo México” y de que siente un renacimiento del cine joven, tal como sucedió en Alemania cuando él comenzaba su carrera. Sin duda, la visita de este gran realizador es una de las piezas más importantes de este año

Durante el festival se podrán ver 53 películas del autor, siendo ésta la retrospectiva más completa que se ha presentado en el mundo.

El tercer homenaje fue para la actriz Diana Bracho, quien recibió  el Mayahuel de Plata, después de ver fragmentos de su trayectoria como actriz, pudimos observar en pantalla importantes interpretaciones como la de El Castillo de la pureza y Las Poquianchis.

La actriz conmovida por la ovación del público, leyó un discurso en el que reafirmó su vocación y pasión por la actuación, declarando que ha sido  una carrera llena de satisfacciones, además de agradecer  a su familia, principalmente a su padre “por darle el cine en sus genes”.

Al terminar este momento, dio inicio la proyección del filme israelí El Gerente de Recursos Humanos, del director Eran Riklis, misma que el realizador presentó.

El cuerpo de Yulia, fallecida dentro de un atentado terrorista, yace en la morgue sin que nadie lo reclame. La panificadora donde laboraba continúa emitiendo su pago sin percatarse de su desaparición, generando un caso de negligencia que pronto será difundido por “el reportero” de un reconocido periódico. La publicación de dicho artículo es una amenaza para el prestigio de la empresa, por lo que su contratador, “el gerente de recursos humanos”, es llamado para investigar y clarificar el caso.

A partir de aquí, la muerte de Yulia (el único nombre que tenemos) sirve para detonar una historia, a manera de tragi-comedia, donde “el gerente” hará hasta lo imposible por conseguir la firma de cualquiera que identifique el cadáver, con el fin de darle un entierro apropiado y así poder limpiar, no solamente la imagen de su empresa, sino su propia reputación.



Suceso tras suceso, la cinta nos lleva por una travesía que tiene como punto de partida la enigmática ciudad de Jerusalén, el recorrido incluye las complejidades religiosas y conflictos sociales propios de tan histórico lugar. No importa si para hacer lo correcto el ataúd de Yulia tenga que trasladarse mil kilómetros hasta su natal pueblo en Rumania. Hasta el más absurdo episodio de este viaje se desarrolla tan fácil y naturalmente que cae en un humor teñido de negro y gris por una atmósfera llena de paisajes fríos retratados con el ojo de Rainer Klausmann.

- I. Bermejo & Lats- (desde Guadalajara)

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La edición número 26 del Festival Internacional de Cine en Guadalajara, comenzó hoy para prensa y mañana se llevará a cabo la inauguración oficial, sin embargo, hoy ya pudimos ver algunas películas que están en competencia en las secciones de Largometraje Mexicano de Ficción y Largometraje Iberoamericano de Ficción.

La primer cinta que vimos en tierras tapatías, afortunadamente, fue El Premio, película mexicana co-producida entre Francia, Polonia y Alemania, dirigida por la argentina Paula Markovitch, quien además es la guionista del filme.

El premio, es una película honesta y sin artificios, cuenta con un excelente guión y un casting digno de galardón. De principio a fin, la historia te lleva de la risa al tedio, de la espontaneidad al llanto; así como la fotografía y ambientación se mimetizan perfectamente con los personajes, dando como resultado una cinta sólida, de la que te llevas una agradable sensación, un recuerdo.

El filme, retrata la represión que vivieron y aún viven muchas familias revolucionarias del Pueblo de San Clemente del Tuyú en Argentina y las consecuencia que originan en la vida cotidiana de los sobrevivientes, sólo que esta vez es contado a través de los ojos de una niña, Cecilia.

El equipo formado por la directora Paula Markovitch, el fotógrafo Wojciech Staron y el músico Sergio Gurrola, logran una complicidad con las protagonistas Paula Galinelli Hertzog y Sharon Herrera, que se refleja en pantalla. Tal como lo contó la directora en la función de prensa, dejó que las niñas improvisarán y gran parte de los diálogos que vemos en pantalla es como actúa un niño de San Clemente del Tuyú, singular región al que pertenecen de origen tanto la realizadora como los niños actores.

El trabajo actoral de este proyecto es sobresaliente, tal vez se deba a la cercanía que tuvo la directora con los pequeños y el taller actoral que formó un año antes del rodaje, sólo con niños de la zona, lugar que describe Paulina como un “desierto humedo”.

Les recomiendo mucho ver esta opera prima si están en Guadalajra, que ya ganó el Oso de plata en el Festival de Berlín, y si no ojalá llegue pronto a la cartelera comercial de nuestra localidad.

La siguiente recomendación de este día es 18 Comidas de Jorge Coira, cinta que nos dejó un buen sabor de boca, no sólo porque gira en torno a la comida, sino porque las historias retratadas en este proyecto español logran transmitir distintos estados de ánimos, en diferentes situaciones y personajes, pero que comparten un fin común, la búsqueda de la felicidad.

Sin caer en dramas excesivos o chistes simplones, 18 Comidas cumple su función de hacerte pasar un buen rato y te deja un par de buenas reflexiones en la cabeza. El director Jorge Coira trabajó con 19 actores principales que se cruzan en la película y a los culaes no les entregó diálogos terminados dejó que ellos improvisarán al mometo de rodar, tal vez por eso algunos son muy divertidos y otros realmente mordaces.

18 Comidas, es otra cinta que no se deben perder durante el festival.

- I. Bermejo-

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