Blur. No Distance Left To Run @ Festival Ambulante 2011

// Written on Feb 17 , 2011 // Cinerex
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Blur 2 724x1024 Blur. No Distance Left To Run @ Festival Ambulante 2011

No distance Leith to run son 3’ 36” que forman parte del tracklist de “13”, el último material que grabó con su formación original en 1999 antes de la salida de uno de sus entes creativos, (hasta la madre de la “escena” del grupo, aislado y sumido en una depresión alcohólica). Es una de las composiciones más maduras y honestas de un Damon Albarn que tomó como confidente a una audiencia de millones; sin duda un gran título para el documental histórico y cronológico de esta banda inglesa.

Graham Coxon 1024x679 Blur. No Distance Left To Run @ Festival Ambulante 2011

Los realizadores se encuentran ante una difícil situación, no sólo son (ahora) una de las bandas más icónicas, queridas y respetadas mundialmente, sino que ellos lo saben, y se pueden dar el lujo de ser pedantes, caprichosos o bien mamones, además son inglés, por Dios; pero gracias a su narrativa, el documental logra esquivar todo esto para concentrarnos en la historia y en su música.

Pequeño Graham Coxon y Damon Albarn se conocen desde pubertos, en la escuela, son dos tipos completamente diferentes, como Converse y Vans. Uno un genio musical, introvertido, mas no inseguro, el otro, un hiperactivo insolente, actor principal, totalmente descarado, pero igual de ambicioso que Graham, creativamente. Desde este punto convergen en un proyecto de similitudes y vida que los llevará por un largo camino.

blur 784x0 Blur. No Distance Left To Run @ Festival Ambulante 2011

Este trabajo se aleja por completo de los clásicos documentales a la Behind The Music, no busca el drama a lo estúpido o chantajearnos con nostalgia gratuita, simplemente busca contar una historia de un grupo que ahora es leyenda y su difícil o accidentado presente.

Blur llega a la fama en aquellos tiempos de tenis Airwalk, por un contrato discográfico, un grupo atrabancado e irreverente que no busca más que el hype y el desmadre frente al escenario o al menos así se venden. Primeros temas con estallidos de pop y buenas dosis de guitarra que pronto los llevan a programas top de cultura pop y a portadas de revistas.

Blur – There’s No Other Way @ Top Of The Pops, 1991 (colocados en éxtasis y valiéndoles madre el playback).

Aquí llega la avalancha mediática, la giras y todo el desgaste de aquel tiempo que nos cuentan por separado cada uno de sus integrantes. Anécdotas, presentaciones y algunos esqueletos que poco a poco se van encerrando en el closet, amenazando con salir desquiciados en algún momento nos invaden de recuerdos y mucha, mucha música.

Los Directores y , nos presentan esta colección de memorias, materiales y testimonios, intercalándolos con el presente de la banda, que ante casi 10 años decide regresar a los escenarios y sanar con presentaciones las ranuras de su ruptura. En esta segunda historia, paralela en la cinta, observamos los nervios, la emoción por el reencuentro y la convivencia tensamente madura con aquellas asperezas, que si no han sido olvidadas, son dejadazas de largo por el bien del grupo y sobre todo por su anhelo musical.

Blur, posee un basta historia que si no es posible contarla toda (o hacer el resumen de un resumen en un post), en este trabajo queda bien plasmada, el nacimiento, aquellos oscuros tiempos de los noventas cuando todos querían sonar a Nirvana, el origen y la caída del brit-pop; con todo la guerra mediática entre Oasis y Blur, aquellos momentos de introspección y reinvención del grupo y su salida de los escenarios. Escenas que son realmente emotivas pero que es mejor verlas a imaginarlas dentro de este texto. No spoilers, please.

Otros momentos importantes dentro del documental son las historias de amor-odio entre Damon Albarn y Graham Coxon, que sobrepasan lo musical para retratarlos como una dupla problemática, casi repelente, pero que sin duda pertenecen unida por su labor creativa. El regreso de una banda que nos se da por el amor al dinero y la falta de éste, sino por su in-saciedad musical y su añorable amistad, entre ellos, entre sus instrumentos, el escenario y el público.

No pierdan la oportunidad de alcanzar esta cinta dentro del

Enervantes

Miércoles 16 de febrero

13:00 hrs. UAM Xochimilco*

19:40 hrs Cinépolis Universidad*

Jueves 17 de febrero

15:20 hrs. Cinépolis Perisur

18:00 hrs. The Anglo Coapa*

20:00 hrs. Border*

Viernes 18 de febrero

19:30 hrs. Cinematógrafo del Chopo*

22:20 hrs. Cinépolis Universidad

Domingo 20 de febrero

20:10 hrs. Cinépolis Perisur

Martes 22 de febrero

16:00 hrs. Cinépolis Diana

Jueves 24 de febrero

17:40 hrs. Cinépolis Universidad

Viernes 25

20:00 hrs. Universidad Iberoamericana (Estacionamiento de la Pirámide Puerta 1)

*Funciones con presencia de los directores.

Encore:

BLUR No Distance Left to Run Blur. No Distance Left To Run @ Festival Ambulante 2011

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Once. Indie mood for love.

// Written on Feb 14 , 2011 // Cinerex
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once movie Once. Indie mood for love.

, es un trabajo que retrata varias historias de amor, tipos de amor, no como una colección de cortos o anécdotas en paralelo, sino por medio del encuentro de un chico y una chica. Con varios tipos de amor me refiero al fuerte lazo a todo aquello que nos apasiona día a día, la música, la familia, la pareja y aferrarnos a nuestros recuerdos, cada uno de ellos y cada relación con ellos como un a forma de amor, sana o enfermiza, depende de cada uno.

La original cinta Boy meets Girl, (no 500 Days of Summer point intended) donde la pareja principal permanece desconocida durante toda la historia. No sabremos sus nombres, solo tipo y tipa, al más puro estilo voyeur de quien espía desde la casa de enfrente.

En las calles de Dublín un tipo trata de ganar unos centavos tocando covers en su rota guitarra, algunos dan algo de cambio, los más pasan sin prestar atención. Por las noches y entre su trabajo de la vida real como un “Broken Hearted Hoover Sucker Guy” o reparador de aspiradoras (talento heredado por su padre), interpreta en la calida capa de las ya desoladas calles, su temas originales. Una tipa se acerca cautiva ante su música y le comparte 35 centavos, míseros 35 centavos.

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Tipo y tipa se molestan hasta emparejarse y acompañarse en esta vía de músico frustrado. Ella, una inmigrante Checa, vende flores y magazines en la calle, práctica el piano de vez en cuando en una tienda de instrumentos, no se puede dar el lujo de adquirir uno a pesar que ha sido su amor desde pequeña. Ellos se pierden entre las calles, adentrando a sus roídas casas y escombros de memorias, todo acompañado por la ruta de las letras y los pentagramas.

Filmada con un bajo presupuesto, Once, es una lección de cómo se hace un buen musical, que no se basa en lo colores o las acrobacias corográficas de un grupo de adolescentes con voces genéricas y coros repetitivos hasta el idiota hipnotismo. Es un musical, enfocado en el performance instrumental y la fuerza de las letras, su creación y honesta originalidad casi espontánea.

“Tipo”, es interpretado por , frontman del grupo irlandés The Frames, banda al que perteneció también el director, , como bajista por un par de años en los noventas. Sin basta experiencia ante las cámara y sin intenciones de enfocarse en ellas, pues su camino es la música al 100, su personaje se muestra en ocasiones trazado de pura realidad, casi autobiográfico.

Este ambiente encantadoramente real, que lo hace tan personal, como si uno presenciara todo el caos de esta pareja por generar su material independiente, se logra por varias razones, una de ellas, el uso casi accidental de músicos y no de actores. Quién no ha visto alguna escena cuando un actor toca una guitarra y la rasca a lo pendejo, incluso tocándola cuando no suena, algo así como un playback a la Jessica Simpson o Scott Weiland (STP).

Al alejarse el actor original para la cinta, el papel recae en Hansard, que ya estaba involucrado desde el principio con el proyecto; en su momento participando sólo con historias, anécdotas para la cinta que posee trazos reales como espejo de la vida de éste y del director.

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Otro factor fue el recorte del presupuesto, una cinta grabada (realizada en cámaras digitales) en 17 días y que para sus escenas callejeras utilizara lentes de largo alcance que permitieran no solo ocultar el crew de los transeúntes sino de la autoridades (por no contar con permisos) e incluso de los actores, que al no sentirse acosados por aparatos recordadores logran un performance mas natural e intimo.

Once, de una forma retrata la escena musical de su tiempo, tonadas Indie de folk que se enriquecen con las contribuciones a base de apoyo en músicos que creen en el proyecto, el resultado, Glen Hansard and salieron en varias giras e incluso abrieron conciertos para BOB DYLAN, a petición de él mismo, gran fan de la cinta.

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El éxito de Once, le llevo a ganar el Oscar en 2008 como mejor canción original por Falling Slowly. Además, la historia de amor continuó fuera de cámara, al menos por un par de años, entre sus protagonistas, así que realmente estamos viendo el comienzo de una relación dentro de la ficción de film.

Datogeek: Incluso se ganó el reconocimiento que sólo puede darse dentro de la cultura pop al lograr su aparición en , con todo y guitarra rota (S20 E14 “In the Name of the Grandfather”).

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Una hermosa y poderosa historia de amor, música y letras.

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Banksy contra el Oscar.

// Written on Feb 02 , 2011 // Cinerex
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Exit Through the Gift Shop 28684 1 Banksy contra el Oscar.

La fama de no es repentina, es bien ganada, creciente y de fanatismo; lo ha transformado en un personaje más de aquello que criticaba, una ficha más dentro del paisaje pop de culto sencillo de cliché. Llegar a la fama o “venderse” no siempre está del todo mal cuando tu mensaje, a pesar de ser filtrado al máximo por tipos a traje, llega a destino e impacta más iris.

Desde su entrada en los Simpsons veíamos a un Banksy, exigente y crítico a una cadena de tanto poder como lo es Fox Network y su maquiavélico magnate Rupert Murdoch, quien estuvo dispuesto a pagarle para que se burlara de él en la cara y le diera un poco de street-credit convertido en ratings a una serie ya tan descuidada (un día Banksy, al otro día Ke$ha), pointless.

Tras un año de su proyección en Sundance, Exit Through the Gift Shop, se encuentra nominado como mejor documental y no sería raro que gane, después de todo, el año pasado ganó (en otra categoría) un trabajo viral y con mucho hype a su alrededor como Logorama. Además encontramos todo el morbo sobre si el propio Banksy acudirá a la entrega para revelarnos algo más de esta secreta sombra que oculta su identidad. Rumor alimentado por él mismo declarando:

“I don’t agree with the concept of award ceremonies, but I’m prepared to make an exception for the ones I’m nominated for. The last time there was a naked man covered in gold paint in my house, it was me.”

Una vez más trabajando para los ratings o como lo diría el buen Jomless, todo regresa al sistema.

Banksy en Sundance

Banksy Sundance1 Banksy contra el Oscar.

A todo este enviciado ambiente se suma la aparición esta semana de un gran muro, crítica, apoyo o simplemente para causar más ruido, localizado en Los Angles por el cruce de La Brea y San Vicente. La pieza, una enorme estatua dorada con el típico hoodie de Banksy al final de una alfombra roja y rodeada por stormtroopers.

Banksy1 Banksy contra el Oscar.

Este spot es normalmente intervenido por Mr. Brainwash, otro polémico personaje creado en Exit Through the Gift Shop, criticado por no ser un verdadero artista pues sólo busca fama y dinero. Una broma bien trazada por Banksy, quien se presume está detrás de MBW para criticar a su propia persona y su arte basura en un loop interminable irónico.

Banksy como el golden boy de esta entrega rodeado por el imperio.

Enervantes (Enter to the main door)

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Let me in- Libro Vs. Film Vs. Hollywood.

// Written on Jan 27 , 2011 // Cinerex
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lat den ratte komma in 644x1024 Let me in  Libro Vs. Film Vs. Hollywood.

deja el stand up comedy y el ilusionismo por las calles de Estocolmo para escribir su primera novela. Publicada en 2004, Låt Den Rätte Komma In, se convirtió en un best seller y empezó a crear culto alrededor de ella, apoyada por una creciente ola ante este tipo de lúgubres, pero cercanas historias como las de trilogía Milenium, trabajo póstumo del también sueco, Stieg Larsson.

Låt den rätte komma in, es la historia de un solitario hijo único, Oskar, que es atormentado en la escuela por bullys. Él sueña cobijado por su soledad en una venganza, una venganza fría y sangrienta, pero en su timidez esos actos no verán la luz. A lado de su casa se muda una extraña criatura, Eli, una niña de aparentes doce años. A pesar de las barreras con las que ambos han crecido con el paso de varias gélidas noches forman un fuerte lazo.

El libro se aleja de una típica historia de vampiros, soledad emo-cursi o amor del rosa y se enfoca en conflictos cercanos a una vida cotidiana, común, casi de contemplación que se sobreexponen al monstruo que llevamos dentro. Es un relato que explora la pedofilia, la homosexualidad, el suicidio y el abandono de unos ochentas plagados de narcisismo. Trato de no spoilear la historia, pero aun así hacer referencia a algunos detalles.

Dato geek: El título de la novela además de referirse a la creencia de que el vampiro no puede entrar a una casa a menos de que sea invitado, es un tributo a y su track “Let The Right One Slip In” en el cual se inspira Lindqvist para su obra.

Tras un par de años, Tomas Alfredson, realizador sueco, es atrapado por la historia y busca al Lindqvist hasta la puerta de su casa para llevar la novela a film, Låt den rätte komma in, o , su título internacional es estrenada en 2008.

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La adaptación de una novela es difícil, no se pueden contar todas la historias paralelas o pequeños detalles que se plasman a cada golpe de letra, sin embargo, con la sensatez y fidelidad que se da al guión involucrando al autor para realizar el screenplay;  el resultado final es remarcable, donde detalles que quedan marginados de un primer plano, son sutilmente retratados en la cinta, conservando así el ritmo, frío, cercano y nostálgico, propio del libro.

Bajo un tratamiento de contemplación que no tiene prisa por soltarnos la historia y la sangre sin antes envolvernos cómodamente en su realización. El ambiente se cuida en cada set y se acompaña por con un casting seleccionado a la perfección. Un Oskar que pareciera desconocer la cámara y su historia, junto con una andrógina Eli, que en ocasiones luce como un niño malcriado y en otras frágil como una pequeña escuincla voraz. Incluso la voz de es alterada digitalmente para fortalecer el género neutro del personaje.

El resultado, más de 60 premios alrededor de los circuitos festivaleros de cine independiente y europeo; alimentando el culto de Let The Righ One In, fanart, blogs, stills, y más material circulan por toda la red. Aquí en México, la película más vista en la Cineteca en el 2009.

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Con el hype alrededor del film, insaciablemente Hollywood se vuelca a lanzar su versión, primero tratando de convencer al director para que realizara un de su propia cinta. Él rechaza la propuesta: “I am too old to make the same film twice and I have other stories that I want to tell.”

Declara:

“I’m very proud of my movie and think it’s great, but the Americans might be of an other opinion. The saddest thing for me would be to see that beautiful story made into something mainstream. I don’t like to whine, but of course – if you’d spent years on painting a picture, you’d hate to hear buzz about a copy even before your vernissage”

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Aunque no siempre las adaptaciones son tan malas, “The Departed” de Martin Scorsese se lleva varios premios siendo un remake de “Infernal Affairs” (2002) cinta originaria de Hong Kong. Por otro lado, se aproxima el remake de The Girl With The Dragon Tattoo (Suecia 2009), a través de la cámara del recién galardonado .

Ahora, el trabajo para la adaptación gringa queda en manos de , director de Cloverfield y series de TV como Felicity (#zaz). Reeves se encarga también de reescribir el screenplay, algo así como el recalentado del recalentado.

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Ya desde el inicio, no de manera cínica, sino con estúpida honestidad, comenta que acorta el título para hacerlo más accesible al público estadounidense, (en un principio la quería titular: Let Her In), menciona que la película original apenas alcanza un par de millones de dólares y su versión la haría accesible a un público más amplio, (de aquellas veces que amplio quiere decir cerrado).

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tiene un buen comienzo, la historia por sí puede sobrevivir cambios tan insulsos como el del nombre en sus personajes por unos más comunes, (no John & Jane) Owen y Abby. La adaptación gringa, de golpe elimina todo aquello que pueda perturbar a su audiencia, corta de tajo la pedofilia y la semi-homosexualidad de la novela para dejarla en una historia de niños y terror; remplaza personajes claves por versiones más jóvenes=comerciales. Aquí la aproximación es mas de un-monstruo-anda-suelto. Plagada de errores de continuación y medianos efectos especiales que son más cuidados que las propias actuaciones.

Abby, es enteramente una niña y no un personaje andrógino, es bien interpretado por (Hit-Girl en Kick Ass y la hermana de Tom Hansen en 500 Days of Summer), pero el director parece no darse cuenta que ella no es la principal en la historia y deja caer todo el peso de Let Me In, en manos de un chico inexperto y sobreactuado. Dan ganas que los bullys enserio golpeen al chillón.

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Por si esto fuera poco y bajo la premisa de crear una película para jalogüin (fecha de estreno en EUA) el score de Let Me In, se acerca más al género de Scream y Saw. En ocasiones rompe con todo el ritmo del dialogo para estorbar en la cinta, en un dialogo que no parece pertenecer a esta historia, una completa ruptura que hace que la película se vaya desangrando hasta el final.

Aunque esta versión será más taquillera que la original, simplemente por la maquinaria hollywoodense que la respalda, ya perdió en taquilla con Paranormal Activity 2, motivo por el cual se reprogramó su lanzamiento internacional. Y aún para aquellos que no conozcan la cinta sueca original del 2008, Let Me In no pasará de un película dominguera.

Enervantes

Spioler Alert.

Tal vez el error más grave fue cambiar la secuencia del la escena final, quitándole toda la angustia, suspenso y sorpresa de la original, dejándola en una simple escena de sangre y gritos que abaratan ésta realización.

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Editorial Cinerex – Gracias 2010, Hola 2011.

// Written on Dec 31 , 2010 // Cinerex
PinExt Editorial Cinerex   Gracias 2010, Hola 2011.

Gracias 20101 Editorial Cinerex   Gracias 2010, Hola 2011.

¡Si tan sólo pudiéramos abrazarlos a todos y expresarles lo especial que fue para nosotros este año!

-Permítanos intentar…

Cinerex inició hace 3 años como un espacio dentro de The City Loves You donde unos ñoños aficionados del cine (Iraís, GGO y Dajomles) podíamos reseñar, comentar y recomendar películas. Sin ninguna búsqueda comercial, sin ningún patrocinio o “palanca”. Sin otro interés más que el de difundir y compartir nuestro gusto por el cine nacional e internacional.

CINEREX AD V4 Editorial Cinerex   Gracias 2010, Hola 2011.

(Así lucíamos en ese entonces : )

Sobre esa base el grupo de nerds cinéfilos conformado por Iraís Bermejo, Sara (La Niña del Campo) Gustavo Gil (Dajomles), , Adryck y JC SS (Sosa) se fue consolidando, generando más contenido y logrando una estructura. Sin esperar algo que vendría después: el enorme apoyo por parte de ustedes los lectores y la responsabilidad que eso conlleva.

-2010

Empezamos el año reflexionando sobre el potencial de la página y las ganas de crecer que teníamos, buscando convertirlo en un medio más profesional pero “libre de conservadores”. Aprovechando el público que nos lee y la plataforma de TCLY quisimos construir un nuevo medio de cine más abierto y libre de expresarse; con todo y nuestras pinches groserías coloquiales que nos gusta usar de repente.

Decidimos dar el paso de -las reseñas y recomendaciones- a incluir entrevistas, obsequiar boletos y realizar coberturas de premieres, muestras de cine e importantes festivales nacionales como el de Guadalajara, Guanajuato, Expresión en Corto, DocsDF, , Distrital y Mórbido Fest, entre otros.

ficgdiegol Editorial Cinerex   Gracias 2010, Hola 2011.

Diego Luna en la inauguración del Internacional de Cine en Guadalajara 2010

img 0082 Editorial Cinerex   Gracias 2010, Hola 2011.

Presentación de Distrital 2010 por su directora Paula Astorga

Consiguiendo el gran apoyo de distribuidoras como Canana, Warner Brothers, asociaciones como Circo 2.12 e instituciones como la , fue que nos atrevimos a dar el siguiente paso (o salto): llevar a cabo proyecciones o premieres exclusivas donde pudiéramos conocer a nuestros lectores, ponerles música, mucho chupe y… ah sí, compartirles cintas que no comúnmente vemos en nuestro país. Es aquí donde la premiere de A Nightmare On Elm Street marcó un día muy importante para nosotros.

freddy viene por ti cinerex tcly 6001 Editorial Cinerex   Gracias 2010, Hola 2011.

-Cambios

Deben saber que aparte de Cinerex, quienes colaboramos aquí debemos desempeñar otros trabajos para mantenernos (con esto de la crisis) y con la llegada de nuevos proyectos el equipo volvió a pasar por otra transformación.

Nuestra amiga y colaboradora Adryck dejó el crew (cómo está de moda esta palabra ¿verdad?) y nuevos miembros aparecieron. , Bruno Zaca, José DePop, , Javier Sanluis  (TheJavsan), Carlos Kubli y se integraron para darle un nuevo carácter y más diversidad a la familia.

-Cerrando

Entre más mentes, más ideas y más trabajo de equipo pudimos llevar a cabo en colaboración con Arts & Crafts nuestra primer gran proyección en la Cineteca Nacional: la presentación de This Movie Is Broken (película de la banda candiense ) y Look At What The Light Did Now (documental detrás del álbum The Reminder de Feist).

El número y la buena participación de los asistentes superó nuestras expectativas. El evento nos llenó de optimismo y abrió las puertas para empezar el siguiente año con más y mejores proyectos. Espérenlos.

71524 454231097365 124228412365 5237601 33538 n Editorial Cinerex   Gracias 2010, Hola 2011.

BSS CINEREX5 Editorial Cinerex   Gracias 2010, Hola 2011.

Kevin Drew vocalista de BSS en la Cineteca Nacional

-Conclusión

Sólo queda decir que todo no hubiera sido posible sin ustedes: los amigos lectores, familiares, seguidores o haters que a diario checan nuestro contenido, dan su opinión, colaboran de repente,  le entran a las trivias, nos acompañan en las funciones, en las fiestas… en fin.

De todo corazón les queremos dar un enorme abrazo y agradecimiento por leernos y acompañarnos en estos años. Su maravilloso respaldo es el que nos ayuda a dar a conocer y difundir una de nuestras pasiones en la vida: ¡el cine!

¡Feliz 2011!

- CINEREX CREW-

168527 10150120030341276 561581275 8342506 5936168 n Editorial Cinerex   Gracias 2010, Hola 2011.

Javier, Sara, Lats, Bruno, Sosa, Enervantes

163171 489583737365 124228412365 5741644 3229028 n Editorial Cinerex   Gracias 2010, Hola 2011.Iraís, Jomles y Lats con parte del crew TCLY!!!

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Tron. Retrogacy

// Written on Dec 27 , 2010 // Cinerex
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Tron Legacy Poster 640x960 Tron. Retrogacy

Empecemos por partes, éste no es el de aquella película que salía en el canal cinco cuando no pasaban Volver al Futuro. Aquella película se antojaba aburrida; computadoras y esas cosas cuando lo único interesante eran las maquinitas y las caricaturas. Pero este año, aprovechando que la dieron en la Cineteca, que me arrastraron a verla y que además iba a salir la secuela, Legacy, bien valía la pena ver y saber de qué se trataba. Oh sorpresa.

La cinta de 1982, tiene hartos datos geeks (lenguaje de programación ochentera, “end of line”) y elementos que cobran vida de aquellas computadoras. Máquinas que quieren controlarse a sí mismas sin depender de los usuarios, una especie de Odisea 2001 de Kubrick, pero llevada al mundo del videojuego. Un CPU omnipotente y diabólico en una historia que hace casi 30 años no habíamos visto hasta al cansancio (Terminator, Matrix, Inteligencia Artificial, Piso 13, Yo Robot, etc., etc.). Los efectos que usaban eran bastante breakthrough para su tiempo, filmando todas la escenas de realidad dentro del CPU, en blanco y negro para coloreadas después en rotoscopio; antes de la pantalla azul y casi de manera artesanal, agregando escenarios por computadora y que los puristas calificaban como una manera errónea y blasfémica de hacer cine.

#Datogeek dentro de la historia de Tron, el cuerpo de , es escaneado para entrar a la maquina, lo cual fue realizado ahora en la vida real para animar sus movimientos en Legacy.

Legacy ha llegado tarde a este tipo de tramas, la historia no es en sí complicada y en momentos se nota hasta simplona. Un nuevo MCP, (Master Control Program), ahora llamado CLU (Codified Likeliness Utility) quiere, así es, acabar con los usuarios y establecer un nuevo régimen de control. Ahora es el turno del hijo, interpretado por Garrett Hedlund (¿?), en copypastear lo hecho por su padre varias décadas atrás y detener sus planes. No, esto no es un remake, dicen.

Esta cinta marca el debut como realizador de , más conocido por su trabajo en animación gráfica y por spots como “Starry Night” para Halo 3 y el hermoso “Mad World” de Gears of War. Una gran decisión para un proyecto que basa su fuerte en el 3D y los efectos en post, pero que deja mucho que desear en la dirección actoral. Jeff Bridges, en ocasiones lo vemos solemne y zen, otras cómico cuasi The Dude y las más, pasivo y clueless, como si no supiera que hacer, lo mismo pasa con los demás protagónicos (incluyendo a Olivia Wilde, Dra. 13 en House), inertes como parte del mobiliario gráfico y que no logran desarrollar un personaje, mientras los efectos toman el control.

A pesar de que ambas películas están producidas por Disney, en ésta se nota en demasía la era desesperada por las secuelas y el merchandising que afronta el estudio, The Advengers es un caso claro. No corren riesgos, buscan descaradamente el blockbuster y crear una franquicia para explotarla al máximo, Tron 3, 4, 5, podrían llegar dependiendo de la taquilla, así como muñequitos de y el Tronorail en Disney World (que ya existe, por cierto). Dando por resultado un guión soso, aburrido, esperanzado sólo en lo visual, que no es suficiente para rescatar a Legacy. Sí, hay buenas, sólo buenas, escenas en 3D, pero ninguna que logre algún trade mark, como en su momento el “efecto Matrix” o el morphing del metal liquido en T2. Puras luces con cero historia.

Daft Punk Tron Legacy 1024x690 Tron. Retrogacy

Incluso el trabajo creativo de Daft Punk se ve afectado (como lo comentabamos en el post de soundtracks) teniendo que desechar su mejor material, para quedarse con un score de beat electrónico gris y mediano, que se pierde en el fondo (Spoiler Alert: A excepción de su escena de Cameo, donde tocan el único track que suena a Daft Punk en todo el filme).

Legacy es una especie de Pacman en X-Box, sí, las gráficas tienen mejor calidad, es un eyecandy, con más detalles y actualizado, pero sigue siendo un simple Pacman.

Enervantes.

Tron Legacy2 Tron. Retrogacy

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T10P Soundtracks 2010 (y scores)

// Written on Dec 23 , 2010 // Cinerex
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portada3 T10P Soundtracks 2010 (y scores)

Llega fin de año con todo y sus clichesosas listas, es hora de entregarse a la ola clasificatoria, en busca de una cima subjetiva de resumen en aquellos trabajos que destacan del resto y merecen una mención en el moísaco o capsula de este año. Es el turno de los soundtracks.

10. Get Him to the Greek

 T10P Soundtracks 2010 (y scores)

Un secuela de Forgetting Sarah Marshall, ahora protagonizada por Aldous Snow. A pesar que dentro de la cinta escuchamos básicos del sonido UK, como The Clash, Sex Pistols, The Rolling Stones, entre otros, el OST está compuesto por canciones de Infant Sorrow, la banda de este frontman, que van en línea con su personalidad; adicto al nasty sexo, las fiestas fuertes y las drogas duras. Las letras retratan de manera satírica todo este mundo; compuestas en su mayoría por Lyle Workman y Jason Segel (el alto ese de How I Met Your Mother y el protagonista de la primera cinta), pero también encontramos tracks de Carl Barat  (The Libertines), Chilly Gonzales y el maestro (Pulp). Cursis, pero con demasiados estupefacientes.

“You’ve got me feeling like a hero

Fuckin’ on heroin.”

9. Kick-Ass

kick ass album artwork T10P Soundtracks 2010 (y scores)

Muy a la Tarantino, tal vez demasiado copia de la fórmula, que fondea peleas y escenas “emblemáticas” con canciones pop y algunos covers, como una versión teen de Kill Bill, muy teen. En esta colección de temas encontramos a Primal Scream, The Prodigy, Elvis Presley y hasta Ennio Morricone; mezclados con diálogos del film. Ya en conjunto es una buena recopilación al estilo NOW, that’s what I call sountrack.

8. Eclipse

eclipse soundtrack T10P Soundtracks 2010 (y scores)

Dejando de lado la película o los arañazos de qué tan gays son los vampiros, los soundtracks de estos filmes son de una calidad enorme, sobretodo el pasado, New Moon, donde incluía a Lykke Li, Thom Yorke, Grizzly Bear y el hermoso tema de Bon Iver & St. Vincent “Rosyln”; esta entrega sigue con la calidad en sus bandas, una colección de grupos Indie, pop y de neo-culto hype que lo hacen imperdible. Ahora, en esta placa encontramos a Florence + The Machine, The Black Keys, Vampire Weekend, UNKLE y varios más. Sin embargo, este pareciera ser el más débil de esta saga de vampiros con brillantina.

7.

1424f9ed1 T10P Soundtracks 2010 (y scores)

Si alguien sabe armar soundtracks con desconocimiento total o encantadoramente ingenuo del armado de un score es Sofia Coppola; Playground Love de Air en Virgin Suicides es grande hasta el último destello de un flair; tanto así que en ocasiones su trabajo parece un video musical de 90 minutos, como María Antonieta: buenas canciones en un largo video rosa con pelucas. En esta ocasión el trabajo es igual de bueno, ahora curado/apoyado por su significant other junto con su banda , ellos se encargan del score y abre y cierran este sountrack con “Love Like A Sunset”, parte I y II respectivamente. En el disco a diferencia de los rankeados atrás no es una colección de éxitos tirados al azar,  sino tema que conservan el tono y la armonía de toda la cinta con una tierna colección que incluye, Foo Fighters y The Police hasta Julian Casablancas (en un autocover de The Strokes) y Sebatian Tellier. El amor destila de este como cassette grabado (o cd quemado o playlist de iPod) para novia de secundaria.

6.

ince T10P Soundtracks 2010 (y scores)

Christopher Nolan es un fanático de los detalles y la selección musical es parte de ello. “Je ne regrette rien” de Édith Piaf es una protagonista más dentro del filme, no sólo por su primer significado, el despertar de un sueño, un golpe de otra realidad, sino también porque va cambiando el tiempo como la ola que lleva el navío onírico de la historia. Partiendo de esto, Hans Zimmer toma esta pieza musical y la descompone en diferentes variaciones, tiempos y notas paralelas. Entra en este mundo de ritmos distintos que viven en un mismo track. Mezcla un trabajo orquestal de base con elementos electrónicos que sirve de acento para momentos de tensión, como subrayando el guión y que rompan en el fondo esta continuidad de loop que se maneja en Inception como primer plano de la pista, algunos de estos “acentos” son brindados por Johnny Marr el ex-guitarrista de The Smiths.  Aquí una muestra del cambio de ritmo en el track/sueño.

5. Legacy

Tron Legacy Soundtrack T10P Soundtracks 2010 (y scores)

No podía faltar el esperado “nuevo disco” de , sin embargo, este parece ser un trabajo que pasó por muchas manos, muchos filtros. Disney en su visión negocista. Sabe como crear un gran Blockbuster y cubrirlo de merchandising. La idea era casi natural, qué mejor grupo para ponerle sonido neo fluorescente que estos robots franceses, íconos del electrónico y que acaban de tocar con Kanye West (ya son conocidos por los gringos, pues). Oh pobres  Thomas Bangalter y Guy-Manuel de Homem-Christo, no saben lo que le espera. Bajo el control creativo de Mickey Mouse poco queda de y pareciera un score normal de 13 tracks con un par de canciones de (las que por supuesto serán explotadas como sencillos icon wink T10P Soundtracks 2010 (y scores) ).

Sin embargo y según un fuerte RUMOR Daft Punk se ha desquitado filtrando su verdadero trabajo bajo el nombre de The Third Twin y su álbum Homemade, tracks rechazados por Disney, que suenan más a Daft Punk pero que por motivos legales no pueden comercializar, un rumor. Aquí ambos trabajos.

La única canción que suena a Daft Punk en TRON

Ellos no son Daft Punk, ni es el TRON de Disney

Disney quería un trabajo orquestal y repetitivo y no synth-pop, house, francés.

4.  The Social Network

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Un sonido experimental y fuera de lo convencional ante aquellos que se dedican a hacer música para un filme, scoristas “profesionales”. se acompaña de Atticus Ross, maniático programador de la electrónica sucia en NIN (por lo menos de sus últimos cuatro discos), y se encierran en un laboratorio sonoro a crear una electrónica orgánica, enfocados a la mecánica emocional de varias escenas, y a diferencia de Daft Punk, ellos son cobijados por la libertad creativa que les cede el realizador David Fincher, otro experto en combinar escenas vs sonidos (como el épico final de Fight Club, tomados de la mano, viendo arder el mundo y escuchando Where’s My Mind? by Pixies). En este trabajo, si bien no es un album per se de NIN, encontramos sonidos familiares de sus últimas entregas Ghosts I-IV, percibiendo así una colaboración mas viseral y sincera al abordar el proyecto y no apartarse de sus composiciones reales, de tracks sin película.

3. Norwegian Wood

norwegian wood soundtrack jonny greenwood T10P Soundtracks 2010 (y scores)

Si Thom Yorke es el rostro y las letras en Radiohead, es el cerebro que se encarga de las notas, el genio detrás de instrumentos inventados por él en la búsqueda sacar el sonido exacto que tiene en la cabeza, es él quien se encarga del Score de Norwegian Wood, una adaptación a la novela de Haruki Murakami que nos pega desde su portada con el título de una melodía, y continúa pagina por pagina mostrándonos que la música es parte principal de la historia, de la vida de su personajes que se permean hasta rebasar la tinta.

El segundo trabajo de Greenwood tras encargarse del score en There Will Be Blood. Piezas melancólicas basadas en cuerdas y vientos que dan vida sonora a los paisajes orientales de un Japón nevado, boscoso y sesentero. En ocasiones parecidas a How to disappear completely del Kid A, hasta muy pequeños momentos de house of cars de in rainbows.

2.

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Clint Mansell, músico de cabecera de  Darren Aronfosky, quien lo saca del mundo pop para componer el score de π y de Requiem for a Dream, ahora nos presenta un trabajo más ambicioso, que en ocasiones busca meterse con el Swan Lake de Tchaikovsky, para joderlo (en el sentido deforme y no de ya-la-cagó) por completo, llevándolo a un lugar más obscuro, bien orquestal que a veces raya en lo estresante, que sin duda es parte central adentro de la cinta, creando una tensión a brote de reventar con silencio y tranquilidad acompañados de estruendos y caóticas alteraciones en el volumen .

Este tipo de relaciones score-director son tan importantes o más que las de director-actor (Tim Burton – Johny Deep, Martin Scorsece – Leonardo Di Caprio, Woody Allen – Woody Allen), una actor no interviene en cada escena de la película, la música sí, aún en su ausencia. Requiem por un clásico.

1.  Scott Pilgrim Vs. The World

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El mundo de Scott Pilgrim, desde el comic, está anclado en la música, en la actitud rock(geek)star y en anécdotas que rodean a una banda de living room; ensayos, gigs, peleas con otras bandas vecinas, literalmente, y lo asombroso de componer/interpretar notas en el escenario aunque estas no sean grandes y elaboradas pieza de conservatorio, son más instantáneas a lo cercano, que la hacen más asimilables a su pequeño público (de un par de amigos y hermanos, hasta alcanzar el “éxito” de un bar local, con sueños de disqueras Indie). El soundtrack es un copia fiel de este engranaje, no por nada está intervenido por uno de los genios de la música actual, Beck.

Beck Hansen, creo un ruido fiel a este sentir de Indie-comic, da lecciones a Michael Cera de bass y actitud (quien ya tocaba el bajo de teen), y saca de la ilustración las notas del comic para dar vida sonora a las bandas en Scot Pilgrim, Sex Bob-omb y Crash and the Boys se juntan en este trabajo con temas de Plumtree, Black Lips, The Rolling Stones, Frank Black (vocal de Pixies); además de temas de bandas canadienses (donde se desarrola la historia) como Broken Social Scene con Anthems for a Seventeen-Year-Old Girl (me robaron esa canción de mi soundtrack)  y Black Sheep de Metric, que en la cinta es interpretada por la ex-novia de Scott. Una ilustración fiel de la vida de Scott Pilgrim y no sé si soy yo, pero hasta la portada parece un Beck adolescente dándole al bass (Beck Pilgrim).

“We are Sex Bomb-Omb and we’re here to make you think about death and get sad and stuff”

De Phoenix a Johny Greenwood, pasando por un Daft Punk que no es Daft Punk, música clásica en drogas y un NIN pulcro, estos son el T10P de soundtracks y scores de Cinerex.

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Perpetuum Mobile: In A Wave of Contemplation.

// Written on Dec 08 , 2010 // Cinerex
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PERPETUM MOBILE 716x1024 Perpetuum Mobile: In A Wave of Contemplation.

El pasado viernes se estrenó en la Cineteca “”, cinta de , ganadora del premio Mayahuel de Oro al mejor largometraje mexicano de ficción en el pasado de Guadalajara.

Una historia sencilla que se complica al admirarse, al contarse con esa simplicidad, a veces rebuscada en esta tendencia que está navegando a las nuevas obras del cine mexicano, el “Cine de Contemplación” le dicen los expertos, los que saben…dicen. Cine de espejo le digo yo o cine acááááááááá.

Perpetuum Mobile, retrata la incomunicación contemporánea que se ve reflejada en las parejas, en las familias y en general en todas las relaciones bien dosmildiezosas, desconectadas de los demás para vivir en la monotonía de las emociones, que aunque cambiantes siempre llegan al mismo destino, cual status quo de los Simpson, “al final del capítulo todo vuelve a la normalidad.”

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Un par de amigos, se dedican a la mudanza. Gabino es un incomunicado sociable; el lazo con su madre es lejano como de hijo adoptado y recepcionista, ella vive adorando a su hijo mayor, un típico Godínez venido a más con el podercito que otorga un trabajo de medio mando, ella espera su visita cada fin de semana con vehemencia. Por otra parte, la relación de Gabino con su novia es fría y cortante, con estallidos de un diálogo que podía terminar en cualquier momento con un “hasta nunca”. Tensión.

En su proyección de estreno, el director presenta su trabajo, dispuesto a contestar algunas preguntas. Nadie habla, nadie dice algo en esta incomunicación contemplativa que continúa después de la cinta, saltando del cuadro a la vida en butaca. Por fin, alguien se anima y empieza la ola de cuestiones, algunas simples, algunas que hacen lucir más al que pregunta que lo que quiere saber; como si quisiera quedar bien con el maestro de secu o de cine de CUEC, más pretencioso que la respuesta. Lo rescatable, un director que sabe lo que hace y lo que busca con su trabajo. Habla sobre la incomunicación, el desarrollo de un filme bajo un guión base, mas estructura que resultado final.

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Me pasan un par de cosas con estos trabajos de “contemplación”, han sido tantos y tan explotados este año que dejan de sorprender y empiezan a caer en lugares comunes; largas escenas donde nada pasa, ni un diálogo, para que interpretemos “lo que nos quieren decir”, pero que a veces pareciera falta de claridad en decirnos algo; algo con contundencia, esta falta (de pasión) por el perfeccionismo, de buscar llevar un guión del papel hasta en su última letra, hasta en su último detalle a cuadro del trazo de un borrador; para lanzarse, bajo la bandera/escusa de una ola de contemplación que busca más el realismo, (realismo exagerado en ocasiones, como la escena en , cuando la chava está haciendo “pompas de jabón” sentada en su mesa #aysítú) la improvisación y el a-ver-qué-sale. Aún así hay propuestas que no se pelean con un guión, es el caso de , donde a pesar de tener esta misma ola de cotidianidad, juega más con la fantasía hermosamente escrita con algunos detalles que van mas allá de la historia, como la incursión de la directora en la botánica para sustentar su trabajo con conocimiento y no simple improvisación.

Aún así “Perpetuum Mobile” (regresando del desvarío cantinflesco), es una entrega recomendable de un director que se intuye, sus mejores trabajos están por llegar. Una buena promesa.

Encore:

Al preguntarle la falta de score en algunas escenas (largas sobretodo), el director ávidamente responde que a veces la música  le resta drama a la interpretación o a la tensión. Hace que muchas veces una canción rebase a una cinta. Como las de Sofia Coppola “¿Ya viste Maria Antonieta?, el está increíble.”

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Bici y cine. Clico: Rodar & Rodar @Cineteca Nacional.

// Written on Dec 06 , 2010 // Cinerex
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Cartel Rodar y rodar2 MEDIOS 716x1024 Bici y cine. Clico: Rodar & Rodar @Cineteca Nacional.

Las horas más fuertes del “tuiter” son a eso de las seis/siete de la tarde, cuando todo el mundo tiene un par de horas en sus manos libres del volante y deciden estacionarse por Periférico, Tlalpan, Insurgentes… y cualquier vía rápida, que ahora se ve a reventar como antrito popular de tres cadeneros de esos de los noventas. El tema de los twits, todos el mismo, ¡pinche tráfico!. No importa a dónde vayas, que no tengas prisa o incluso nada importante por hacer, pero dos horas para avanzar ocho-nueve cuadras es una porquería. Aún en domingo por la noche puedes encontrar un buen lugar sin vienevienes por todo viaducto, con todo y vendedores de maní.

Es momento de salirse del carro, tomar vías alternas, que necesariamente es ir a contemplar otro semáforo; caminar o la bici, casi siempre son buena opción, in-irónicamente se avanza más y se hace menos tiempo, si es que no te gusta ese calido toque humano que posee el mercado sobre ruedas, también conocido como metro.

Es así como , una asociación civil, se da a la tarea de fomentar la bicicleta como un, verdadero, medio de transporte y no solo para salir en paseo dominical o a tirar pretensión por la Condex, goe, en una vintage-road-azul-crema, con canastilla. crea espacios, eventos y movimientos en torna al arte y propuestas emergentes para servir a su fin; y en esta ocasión ha creado una alianza con la , para Taberno un ciclo bicicletero, de filme alrededor del tiempo del mapa, con tema seguramente obvio y que nos sirve de pretexto para darle un buen ojo a este tour de cine en dos ruedas.

4728193838 10f947bdf1 b Bici y cine. Clico: Rodar & Rodar @Cineteca Nacional.

Día de fiesta (1949), de Jacques Tati, que gira en torno al oficio por excelencia que requiere el empleo de una bicicleta: el cartero.

El campeón ciclista (1956), de Fernando Cortés, un emocionante filme sobre una carrera ciclista de repartidores de periódicos.

Triciclo (1955), de Trãn Anh Hùng, cuyo protagonista es un chofer de un taxitriciclo.

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Maratón de centellas (1985), de John Badham, retrato de una ruta ciclista a través de las Montañas Rocosas de Estados Unidos.

Las Trillizas de Belleville (2003), de Sylvain Chomet, cinta animada que narra las aventuras del pequeño Champion, quien sólo es feliz cuando monta su bici.

Ladrones de bicicletas (1948) de VittorioDe Sica, clásico del neorealismo italiano, un reflejo de la miseria de un hombre quien sufre el robo de su único medio de trabajo.

ladri di biciclette desica brini ar Bici y cine. Clico: Rodar & Rodar @Cineteca Nacional.

También se exhibirán 4 cortometrajes:

City of Cyclists (Michael Colville-Andersen, Dinamarca, 2010),

Tommy The Kid (Stuart Clegg, Australia, 2006),

De tripas corazón (Antonio Urrutia, México, 1996) y

Rodada Grande, (Enrique Vázquez, México, 2010) una producción de ITDP en colaboración con el CUEC que busca entretener y al mismo tiempo fomentar una cultura acerca del uso de la bicicleta.

Además, un par de platicas para afrontar esta caótica ciudad en bici

•            Un uso cómodo y seguro de la bicicleta en la Ciudad de México: Infraestructura ciclista y Sistema de Bicicletas Públicas ECOBICI: plática que abordará las características, el funcionamiento y las principales contribuciones de este sistema. Martes 7 de diciembre, Sala 4, a las 19:00 hrs.

•            La bicicleta y el derecho a la ciudad: Charla impartida por ITDP México (Institute for Transportation & Development Policy) acerca de los retos que tiene la Ciudad de México en materia de movilidad para analizar cómo la bicicleta es un excelente medio para transformarla, convirtiéndola en un lugar saludable, sostenible, equitativo y competitivo. Sábado 11 de diciembre, Sala 4, a las 19:00 hrs.

El ciclo , cine y bicicletas, se presenta del 7 al 12 de diciembre. Ademas, si vas a la Cineteca en bici el sábado 11 y/o el domingo 12 de diciembre, tendrás un descuento del 2×1 en las funciones de Las Trillizas de Belleville y Ladrones de Bicicletas, respectivamente. Ambas proyecciones se llevarán a cabo a las 19:00 hrs en la Sala 4.

Recuerda, en Bici por Parque España te ves bonito, en bici por la Cineteca te ves bien.

Enervantes

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Film Socialisme de Jean-Luc Godard//52 Muestra Internacional de Cine

// Written on Nov 23 , 2010 // Cinerex
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film socialisme Film Socialisme de Jean Luc Godard//52 Muestra Internacional de Cine

es siempre un revolucionario (en el sentido de evolución y no de guerrita), uno de los realizadores Nouvelle Vague por excelencia y un visionario en el tramado de historias. No-creyente de los derechos de autor y un atascado de imágenes y contextos. En esta ocasión, proveniente de Cannes y de youtube, llega a la 52 muestra de la , su más reciente OBRA-sinfonía.

En observamos a un Godard lejos de sus clichés (que todos tenemos alguna vez) más experimentado y encabronado hasta el último flair del lente. Se aleja de aquellas películas de only-a-gun-and-a-girl y nos presenta una evolucionada forma de contar historias, de discurso político. Un director más allá de lo cotidiano y que se puede dar este lujo de experimentar en la narrativa para conseguir un resultado magnifico, diferente de los caminos o lugares comunes a los que nos acostumbran aquellos relatos lineales. No, esta no es un simple historia de inicio, nudo y desenlace, no.

Una fuerte critica  a la realidad que ahora se vive en el viejo continente,  plagada de metáforas e imágenes alienantes que sumergen al espectador en este caos de pueblos. En un principio, el film inicia de manera impetuosa, sobre un gran barco que escenifica al continente y que va desembarcando en ciudades clave de cada pueblo para explicar mejor el lugar social que ocupa dentro de este monstruo de penínsulas, islas, soles, nieves y naciones.

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Embarcamos en este crucero plagado de gente descuidada y burguesa que se adentra, encierra en sus rencores y se olvida de su entorno. Egocentrista hasta el nihilismo, salvo por pequeños soñadores que aún quedan, que se niega a caer ante la apatía, pero que son arrastrados por una ola de pesimismo y pasividad. Un enorme choque resultado de un pequeño terreno donde convergen múltiples idiosincrasias, cicatrices culturales e idiomas que solo hacen más profunda esta herida de incomunicación.

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En el segundo momento, JLG se aparta de las naciones para visitar el núcleo familiar típico en Europa y reclama de golpe en la cara, acerca el futuro y falta de esperanza que se le hereda a una generación creada y alimentada por conformistas. Que han dejado como resultado una Europa débil, sin el protagonismo internacional, incluso ideológico antes tan característico en ellos. De la creación de los Derechos Humanos y la Revolución Francesa, al seguimiento aspiracional de un Hollywood secuestrado por judíos. Un reclamo, tranquilo y más fuerte que unos gritos sin sentido.

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Por último, su tercer momento, donde Godard explora la humanidad (europea) a través de sus sitos históricos, aquellos que han cambiando el curso de los eventos, del tiempo, y que ahora son olvidados cual polvo viejo al que no se respeta ni aprende.

Un trabajo de un director propositivo, critico y experimental, realizado con diversos lentes, movimientos, cámaras y hasta escenas de youtube, que pueden resultar cambios en pinceles o trazos para explotar diversas técnicas en un solo trabajo. Con una realización anarquista, que en ocasiones nos recuerda, que lo “mal-hecho” de una escena, a veces es un cuadro mas fiel a la realidad que aquellas creadas con la más pulcra planeación, fina y de un ojo HD; una entrega donde los pixeles juegan a ser protagonistas en la historia en un Godard que hace sentido de cada encuadre. En fin es solo cine. Una protesta política escrita en imágenes de caos.

-Enervantes-

Exhibiéndose esta semana en la @Cineteca Nacional.

martes 23 de noviembre 12:00, 18:15 hrs.

miércoles 24 de noviembre 16:30, 21:00 hrs.

jueves 25 de noviembre 13:00, 18:45 hrs.

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