La fotografía como huella de la cotidianidad: Manuel H. Márquez

La fotografía como huella de la cotidianidad: Manuel H. Márquez

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La tendencia fotográfica (y artística) de crear un discurso en torno a lo cotidiano ha sido tema de discusión durante las últimas décadas, pues el carácter y estándares son tan amplios como el expositor y el espectador lo deseen. Pocos son los que encuentran cierto encanto al descifrar objetos e incluso lugares, que para muchos son parte de escenarios sin relieves. Manuel H. Márquez es un fotógrafo que ha itinerado entre Xalapa, Nueva York y la Ciudad de México para crear justo una obra que toma como objeto principal el terreno de lo común y lo transforma mediante su discurso, íntimamente ligado al registro histórico y personal.

Tuvimos la oportunidad de entrevistarlo sobre su perspectiva personal, medios y motivaciones:

¿Qué papel juegan la luz y el color en tus fotografías? 

Depende de la serie en la que esté trabajando, por ejemplo, el trabajo en la ciudad es más acerca de encontrar los rastros humanos, o la presencia humana implícita en las cosas que fotografío.

En cambio, cuando trabajo en una serie en la que el factor de la impresión es parte del mensaje, entonces el color se convierte en lo más importante, lo tomo en serio, al grado de hacer las impresiones en cuarto obscuro de color, y lograr una atmósfera única, que sólo el proceso de imprimirlas uno mismo puede dar a las imágenes.

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¿Qué elementos  consideras fundamentales  en tu obra?

El carácter de huella que tiene toda fotografía, el tiempo, y la conexión que la fotografía tiene con la historia, tanto como documento histórico como con la historia personal del fotógrafo. El otro punto sería la materialidad de las fotos, su carácter y sus cualidades como objeto. Las fotografías son misteriosas, contienen el tiempo y lo congelan, siempre me ha maravillado esa cualidad de las imágenes fotográficas.

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 ¿Cómo ha influido el formato digital (instagram) en tu trabajo y carrera?

Creo que son dos los elementos importantes: la inmediatez y el carácter de bitácora personal que tiene. Una foto publicada vía instagram sale al mundo en ese momento, y puedo ver la reacción de mi público de manera inmediata, es como una libreta de apuntes fotográficos, pero con la ventaja que uno puede ver casi en tiempo real la respuesta que la imagen genera. En parte, por eso casi no me gusta usar captions o hashtags, para no influir la lectura de la imagen.

Como bitácora personal, el instagram ofrece un registro personal cronológico de mis ideas y de mi práctica fotográfica.

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En tus proyectos  de registro existen constantes en torno a ciertos temas como los nombres de fechas festivas en las calles de México, por ejemplo. ¿Cómo es tu proceso al plantear, tomar y organizar estos proyectos?

Las fechas corresponden a un proyecto personal más grande, su título tentativo es Ciudad Calendario, y me baso en que en la Ciudad de México tenemos tantas calles con nombre de fecha que es prácticamente eso, una ciudad calendario. Me gusta jugar con la noción de que los lugares pueden hacer referencia a una fecha, a una medida temporal, complica la lectura del lugar. Esas calles son monumentos inusuales, me gusta pensar que esas calles son lugares-tiempo.

Las convenciones de medición de tiempo: horas, fechas, calendarios, siempre me han interesado y obsesionado. Son un hilo conductor, un común denominador que tiene toda la obra que produzco de uno u otra manera.

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¿Qué fotógrafos o artistas consideras como influencia o referente para tu discurso personal?

 On Kawara con su obra basada en fechas, Gabriel Orozco y su obra fotográfica basada en lo escultórico y lo cotidiano, William Eggleston y su obra de color. De fotógrafos más jovenes, Peter Sutherland y su nuevo acercamiento al fenómeno urbano y la obra de color de Bryan Graff. También teóricos como Vilém Flusser y recientemente Water Benjamin y Guy Debord me han atrapado. En música, Arcade Fire e Interpol. En literatura, siempre están Rulfo, Borges y Calvino.

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¿Cómo ha sido tu experiencia como fotógrafo mexicano dentro y fuera del país?

Creo que he sido afortunado, llevo prácticamente 10 años haciendo unicamente fotografía, y experimentado muchos ambientes y ritmos de trabajo: Xalapa, Nueva York, Ciudad de México. En general, me ha ido bien, pero de repente es dificil encontrar un público para el trabajo que hago, que desde hace años tiene un aspecto teórico y conceptual de fondo importante, el cual a veces no tan fácil de digerir. Me siento siempre un outsider, un turista a donde voy y tomo fotos, lo cual es bueno pero dificil. No tengo empacho en reconocer mi escuela americana, pero creo que hoy todos somos personas semi-globales, ni de aquí ni de allá. Considero que eso es liberador, abre puertas, no las cierra.

En general, a la gente le gusta viajar a través de la fotografía, siempre ha sido así. La movilidad es la clave, tanto dentro de la ciudad donde uno vive, como en el mundo. Ser capaz de estar en movimiento, ya sea caminando en tu cuadra, o viajando por distintas ciudades, es siempre una oportunidad de descubrimiento y de conexión consigo mismo y los demás.

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¿Cómo crees que la lomografía interviene la realidad (o cotidianidad) en tu trabajo?

La lomografía me liberó de cánones académicos, y a través de ella comencé mi exploración de lo cotidiano como fuente de inspiración visual, pero en un punto me di cuenta que ese discurso bandera de la lomografía pertenece a un discurso contemporáneo más grande y complejo que hace difusa la línea entre arte y vida. Ahora veo a la lomografía como parte de mi formación visual, pero que ha sido enriquecida y ampliada por otros viajes fotográficos y mentales que he realizado. Ahora creo estar haciendo imágenes, que  aunque influenciadas por muchas cosas, entran en una categoría más grande que la lomografía, la foto conceptual o el trabajo analógico, estoy más bien utilizando la foto para contar las historias y comunicar ciertas ideas o sensaciones.

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Manuel Márquez es Maestro en Artes de la Imagen por el Rochester Institute of Technology y profesor de CENTRO. Pueden seguir su trabajo en Tumblr e Instagram.

Entrevista: Leo Sam